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293

293 (Vassily Kandisky)

Vassily Kandisky (1866-1944) es un artista de origen ruso, que tomó primero la nacionalidad alemana y finalmente la francesa. Formado en el expresionismo, cultivó la abstracción desde 1910.En esta obra, a través de las líneas y los colores y de su imaginación, representa a la naturaleza en su capacidad creativa. Esta corriente influyó sobre otros movimientos abstractos y sobre Miró, entre otros astistas.
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Arboles azules

Arboles azules (Gauguin)

Durante el otoño de 1888 Gauguin busca un estilo propio que defina claramente su espíritu y su personalidad, experimentando por diferentes caminos. En los árboles azules, el paisaje intenta reflejar un estado de ánimo del pintor, especialmente a través del color empleado, un color vivo a base de malvas, rosas, verdes y amarillos que demuestra cómo el artista se está encontrando a sí mismo, sintiéndose muy cómodo en Pont-Aven. El estilo que caracteriza la etapa bretona de Gauguin está a punto de aparecer, abandonando el impresionismo.
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Arearea

Arearea (Gauguin)

Arearea (1892), también conocida como El perro rojo, es uno de los cuadros más famosos y conocidos del pintor impresionista Paul Gauguin. Lo pintó durante sus primeras estancias en Tahití y su título significa en tahitiano, diversión o entretenimiento. La composición y el colorido que son característicos de las obras del pintor, pretenden sugerirnos sensaciones buscando siempre lo primitivo y la pureza espiritual.
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Armadura colgando de un arbol

Armadura colgando de un arbol (Utagawa Hiro)

Utagawa Hiroshige (1797 -1858), fue uno de los últimos grandes artistas de la escuela Ukiyo-e. Reinterpreta la realidad conforme a una visión utópica del paisaje y la sociedad de su época. Este cuadro forma parte de su obra “ Cien famosas vistas de Edo”; representa un punto de vista popular de Edo Bay, donde según la leyenda Minamoto Yoshiie colgó su armadura en este árbol en 1062. Hiro retrata la forma del árbol de tal manera que solo un gigante podría colgar la armadura en él.
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Bailarina verde

Bailarina verde (Degas)

Degas nos introduce con esta pintura de 1877-1879, en el mundo del ballet que tanto le interesaba. Una vista del escenario, con varias bailarinas en plena representación, es captada desde uno de los palcos laterales en alto. Sólo una de ellas se muestra de cuerpo entero, en un complicado y rápido giro. Las demás están cortadas y el resto de sus figuras quedan a nuestra libre imaginación. Delante del decorado de paisaje, varias bailarinas de naranja esperan su turno de actuación. La fugacidad de la acción es captada con los trazos rápidos de la técnica del pastel, que el pintor aplica con gran virtuosismo.
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Baile en el Moulin Rouge

Baile en el Moulin Rouge (Toulouse Lautrec)

Es uno de los mayores lienzos pintados por Toulouse Lautrec, y representa el Moulin Rouge, famoso templo de ocio de París. El pintor, representa a diversos personajes interactuando entre ellos, se apoyan en la barra del bar, discuten y observan a las bailarinas. Coloca a los personajes en distintos planos y guía al ojo hacia los que están en segundo plano a través de una hábil disposición de los elementos sobre la tela.
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Bosque Boyarka

Bosque Boyarka (Bogomazov)

Alexander o Oleksandr Bogomazov, nacido el 7 de abril de 1880 en Yampil fue un pintor ucraniano, un conocido y un moderno teórico del arte ruso de vanguardia. En 1914 Alexander escribió su tratado El arte de la pintura y de los Elementos. En él se analiza la interacción entre los objetos, el artista, la imagen y espectador y establece las bases teóricas del arte moderno. Durante su vida artística Alexander Bogomazov dominó varios estilos de arte. Los más conocidos son cubo-futurismo (1913-1917), al que pertenece El Bosque de Boyarka y el espectralismo (1920-1930).
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Botellas y cuchillo

Botellas y cuchillo (Juan Gris)

Según Picasso y Georges Braque, Gris es uno de los principales representantes del cubismo . Su mérito radica en dar el paso del cubismo analítico al sintético,integrando en un sistema racional los nuevos principios constitutivos. Botellas y cuchillo (1912) es un bodegón típicamente cubista. Los objetos representados, las botellas, el plato, el cuchillo y la superficie sobre la que se encuentran, están dispuestos vertical y horizontalmente con una ligera perspectiva tridimensional.
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Boulevard Montmartre

Boulevard Montmartre (Pissarro)

En esta obra Pissarro representa el boulevard que ya había mostrado al atardecer, por la mañana en invierno o con tiempo plomizo. Las lámparas de gas iluminan la calle y las luces de los comercios crean bellos reflejos amarillos en la acera y en el pavimento, desapareciendo buena parte de los viandantes mientras que los carruajes estacionados encienden sus luces. Los edificios están rodeados de una sombra malva típica del Impresionismo, creando un atractivo juego de contrastes con el amarillo de las lámparas. La pincelada empleada por el pintor es rápida, sin apenas preocuparse por el dibujo, apareciendo abundantes manchas. Con este cuadro que finaliza la serie sobre Montmartre, Pissarro demuestra que los efectos lumínicos y ambientales son su principal preocupación, situándose a la altura de Monet.
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Caleta le Pouldu

Caleta le Pouldu (Gauguin)

La caleta de Le Pouldu (1889) es una obra que corresponde al periodo bretón de Paul Gauguin. Está realizada al óleo y se encuentra en una colección privada. Es un claro exponente del post-impresionismo de Gauguin y se une al grupo de pinturas sobre las playas de la zona que realizó el artista.
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Campo de trigo con cipres

Campo de trigo con cipres (Van Gogh)

Pintado en Saint Remy de Provence en 1889 cuando estaba internado en el asilo mental. Esta obra forma parte de su serie “Campos de trigo”, donde encontramos de nuevo la fuerza del color amarillo en contraste con el azul, expresando de esa manera la fuerzas de sus sentimientos.
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Casas en Auvers

Casas en Auvers (Van Gogh)

Esta obra de 1890 nace tras su traslado al pueblo de Auvers en 1890 tras abandonar el manicomio de Saint-Rémy, lugar en el que estuvo internado un año debido a sus problemas mentales.. En su época de Auvers el pintor neerlandés se centró en la representación de paisajes, temas rústicos y rurales. Casas en Auvers es exactamente eso, la represtación de un paisaje rural de Auvers. Concretamente, Van Gogh pinta una casa de campesinos. Sus cuadros de esta etapa están llenos de color y de trazos que no se paran en detalles para representar una paisaje reflejo de la realidad sino que los trigales, casas y árboles están representados con una pincelada rápida que llena de movimiento y de ritmo la composición.
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Casas en Ceret

Casas en Ceret (Juan Gris)

En Casas en Ceret (1913), Juan Gris vuelve al método de la superposición de planos diferenciados, acentuando la distinción de los colores de las partes relacionadas, donde ha optado por dar transparencia a las intersecciones. Así obtiene un efecto de armoniosa suavidad y de integración lúdica en un espacio no unitario donde dominan las transiciones.
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Ciruelo en flor

Ciruelo en flor (Van Gogh)

En otoño de 1887, Van Gogh pinta una serie de “japonaiseries”, muy de moda por aquel entonces, inspiradas en xilografías japonesas, entre otras del maestro Hiro Okawaga. El pintor era un gran coleccionista de estampas japonesas desde que estuvo en Amberes, y es un estilo que va a marcar parte de sus cuadros. Ciruelo en flor es uno de ellos.
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Clase de baile en la Opera

Clase de baile en la Opera (Degas)

A partir de comienzos del año 1870 y hasta su muerte, las bailarinas ejerciendo durante los ensayos o en reposo, se convierten en el tema de predilección de Degas, incansablemente recuperado con numerosas variaciones en las poses y los gestos. Degas ha observado con atención los gestos más espontáneos, naturales y anodinos, momentos de pausa, cuando la concentración se afloja y el cuerpo se relaja, tras el esfuerzo de un aprendizaje extenuante y de un rigor implacable. El punto de vista levemente en picado, centrado en la diagonal de la estancia, acentúa la perspectiva lejana de las láminas de la tarima.
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Collage

Collage (Toulouse Lautrec)

Para Toulouse Lautrec, pintor neo impresionista francés, las escenas del mundo nocturno y los retratos casi caricaturescos de los personajes de la noche serán sus temáticas favoritas. Cuando se habla de Toulouse-Lautrec se debe hacer una referencia especial a Montmartre, lugar con cierta reputación de criminalidad y bohemia, que acabaría convirtiéndose en el centro de encuentro de artistas de todo tipo. En este barrio, vivía Lautrec desde 1884, ubicándose allí los templos de la noche: "Moulin de la Galette", el "Mirliton", "Le Chat Noir", "Moulin Rouge", "Folies Bergère", el circo "Fernando", el "Salon de la rue des Moulins", que encontramos en múltiples representaciones suyas.
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Collage de Klimt

Collage de Klimt (Klimt)

La aplicación de los colores dorados tan decorativos, el adorno de las ropas o los detalles florales son característicos de este autor y coinciden con el Art Nouveau de la época. Aunque Klimt tiene obras de temáticas muy variada, su tema preferido siempre ha sido la sexualidad femenina. Ha representado a la mujer en todas sus facetas y siempre con sus peculiares formas decorativas que hacen sus cuadros fácilmente reconocibles.
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Cuando te casas

Cuando te casas (Gauguin)

Gauguin pintó este cuadro en 1892 durante su primera estancia en Tahití, donde capta la belleza de los paisajes y de las muchachas.En el cuadro aparecen dos figuras sentadas en el suelo sobre un fondo simplificado con colores planos y vivos. Son dos mujeres tahitianas situadas en diferentes planos. La primera vestida con un pareo de colores tradicionales y una blusa blanca, y tras ella se sienta en el suelo una mujer vestida con un traje de estilo misionero cerrado de color rosa. El gesto de su mano levantada pide atención. El fondo es de diferentes planos de colores vivos e intensos que sugieren el paisaje luminoso tropical. Desde el verde oscuro de la hierba del primer plano, el prado dorado central y el azul lejano de las montañas. La estampa tiene influencias japonesas que tanto gustaban en aquella época. El titulo forma parte del simbolismo que se refleja en general.
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Cuatro bailarinas

Cuatro bailarinas (Degas)

Durante 1898 y 1899 Degas realiza tres pasteles de tamaño cuadrado en los que cuatro bailarinas esperan para entrar en escena y se dan los últimos retoques a sus vestidos y peinados. La variación existente entre ellas está en la coloración empleada. En esta obra de 1900 vuelve a mostrarnos unas bailarinas que parecen prepararse también para actuar, aun cuando las ha situado en lo que parece la linde de un bosque al atardecer
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Cuatro girasoles

Cuatro girasoles (Van Gogh)

El girasol es una flor muy especial para Vincent Van Gogh y aparece en infinidad de lienzos. En su día decoró la casa amarilla de Arles con paneles de Girasoles, para dar la bienvenida a Gauguin. Aunque la serie más famosa de girasoles de Van Gogh es precisamente la de su etapa en Arles, durante su estancia en París realizó ya varias obras con girasoles como temática principal, entre agosto y septiembre de 1887. En estas obras las flores aparecen solas, sin el jarrón que añadiría más tarde en su estancia en Arles. En esta pintura de 1887 aparecen cuatro girasoles cortados y marchitos, con unos colores vivos y de fuertes tonalidades. Se encuentra en el museo Kröller Müller.
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Danae

Danae (Klimt)

Danae (1907), una de las obras más famosas de Klimt, está inspirada en la mitología griega. Danae era hija de Acrisio, rey de Argos. Klimt nos presenta a la joven rodeada de telas que enmarcan su silueta. Las formas redondeadas (características del modernismo) y el color dorado aumentan la sensualidad del conjunto, convirtiendo el desnudo en un elemento decorativo.
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Destino de los animales

Destino de los animales (Franz Marc)

A partir de 1910, Marc adoptó los animales como único tema artístico, reflejo de su desilusión con el materialismo que, según él, se estaba apoderando de la humanidad. Marc creía que los animales, con su instinto de vida sana, despertaban todo lo bueno que había en él. En el cuadro El destino de los animales (1913), panel con casi 2,70 m de altura, el pintor representa la destrucción del mundo que tanto aprecia. En la pintura aparecen ciervos, caballos y zorros inmersos en una catástrofe en la que la naturaleza se vuelve contra si misma. En el reverso, el pintor escribió: "Y toda la existencia es un ardiente tormento".
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Edades de la mujer

Edades de la mujer (Klimt)

Pintor austriaco, representante del movimiento modernista, Klimt encontró en el desnudo de la mujer su mayor fuente de inspiración. Nos habla de la sensualidad con símbolos freudianos, formas geométricas y redondeadas, dorados, ornamentos. La imagen de la madre con su hija(1905) es conmovedora y con ella quiere llegar al corazón de la sociedad vienesa de la época, tan “puritana”.
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El abrazo

El abrazo (Klimt)

En 1904,el belga Adolphe Stocklet hace construir une mansión para el arquitecto Hoffman, y este a su vez encarga à Klimt la decoración del comedor, con un mosaico de grandes dimensiones, compuesto par tres paneles. Los dos paneles principales repiten el mismo motivo, l'Arbre de la Vie. En el panel derecho , La Satisfacción, o El Abrazo , un hombre y una mujer abrazados. Solo se ve la espalda del hombre, vestido con un kimono et la mujer está prácticamente escondida por el hombre, y se apoya sobre su hombro. Solo se ve su rostro y sus manos que abrazan al hombre. Todo el conjunto, lleno de espirales, arabescos, dorados, triángulos invertidos...
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El almuerzo de los remeros

El almuerzo de los remeros (Renoir)

Renoir representa en este cuadro de 1881 a un grupo de amigos suyos y clientes en la terraza de La Maison Fournaise, sobre el Sena, en Chatou. La escena se asemeja a la que encontramos en el Moulin de la Galette, donde predomina el clima de alegría popular. En esta obra, los personajes se ven muy nítidos, alejándose del típico impresionismo y predomina una gran cantidad de luz que entra por la gran apertura del balcón.
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El arbol de la vida

El arbol de la vida (Klimt)

En 1904, Hoffman arquitecto encargado de la construcción de una mansión para el belga Adolphe Stocklet, encargó a su vez a Klimt la decoración del comedor con un mosaico de grandes dimensiones, compuesto por 9 paneles. El motivo central del friso es el Árbol de la Vida, el árbol de la sabiduría, un símbolo de la Edad de Oro en el que se reúnen todos los temas que tenían verdadera importancia para el artista, desde la mujer hasta el amor, tratándose una vez más de su obsesión por la vida y la muerte -representada en este caso por el ave negra- , uno de sus temas favoritos. Líneas sinuosas dominan la composición.
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El beso

El beso (Klimt)

El beso (1907-1908) probablemente sea la obra más conocida de Klimt, pintor alemán. La aplicación de los colores dorados tan decorativos, el adorno de las ropas o los detalles florales utilizados en el beso son característicos de este autor y coinciden con el Art Nouveau de la época. Concretamente, El Beso está en el cenit de su “Época Dorada”. Aunque Klimt tiene obras de temáticas muy variadas, su tema preferido siempre ha sido la sexualidad femenina. Ha representado a la mujer en todas sus facetas y siempre con sus peculiares formas decorativas que hacen sus cuadros fácilmente reconocibles. En esta escena de El Beso vemos como se refleja esa sensualidad: un beso, un abrazo, y los ojos cerrados de ella, viviendo intensamente el momento. Expresado de forma figurativa, ya que representa imágenes reales aunque un tanto distorsionadas.
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El estanque de los nenufares

El estanque de los nenufares (Monet)

El estanque de los Nenúfares(1899). Es un ciclo de pintura que inició el pintor hacia el final de su vida. Se pasaba horas en el jardín de su casa, observando y retratando el puente japonés que había hecho construir sobre el estanque. Los nenúfares llenaban el estanque y los sauces alegraban las orillas, por lo que toda esta naturaleza será para Monet su principal centro de producción.
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El grito

El grito (Munch)

El Grito (1893), es el título de un cuadro de Edvard Munch que se encuadra en una serie de obras titulada “el friso de la vida”. Todas las versiones de El Grito muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo. En El Grito todo está basado en la expresión: dibujo, color y composición. El Grito es una de las obras más importantes del autor y del movimiento expresionista.
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El invierno

El invierno (Alfons Mucha)

Las cuatro estaciones, que fueron empleadas como paneles para decoración, es una de las obras más conocidas de Alfons Mucha. Existe diferencia de tonalidad entre las distintas estaciones, distintos momentos del campo en cada época y todo ello con sus diseños característicos, tanto en lo referente a la naturaleza como a la figura de la mujer. Mujeres bellas con caras angelicales, ataviadas como diosas y abundantes adornos, rodeadas de motivos florales y alegres que ayudan a equilibrar la composición, todo minuciosamente representado
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El jardin de las delicias

El jardin de las delicias (El Bosco)

El jardín de las delicias es una de las obras más conocidas de El Bosco, pintor holandés. Es un tríptico pintado al óleo, de contenido simbólico, con intención moralizante y satírica. Es considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte. El Jardín de las Delicias, realmente es el panel central del tríptico: representa un falso paraíso en el que la humanidad ya ha sucumbido en pleno al pecado, especialmente a la lujuria, y se dirige a su perdición. Decenas de símbolos diferentes, cuyas claves solo pueden sospecharse, pueblan este espacio opresivo y angustioso en el que la locura se ha apoderado del mundo.
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El jardin de las delicias II

El jardin de las delicias II (El Bosco)

El jardín de las delicias es una de las obras más conocidas de El Bosco, pintor holandés. Es un tríptico pintado al óleo, de contenido simbólico, con intención moralizante y satírica. Es considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte. El Jardín de las Delicias II, realmente es el panel derecho del tríptico: representa el infierno en el que la humanidad sufre los castigos que ha merecido por haber sucumbido en pleno al pecado, especialmente a la lujuria, y representa su perdición. Decenas de símbolos diferentes, cuyas claves solo pueden sospecharse, pueblan este espacio opresivo y angustioso en el que se sospecha que la cara que aparece en el centro, es un autorretrato de El Bosco.
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El sembrador

El sembrador (Van Gogh)

Van Gogh pintó El sembrador (1888) en Arles, conviviendo con Gauguin. La figura del sembrador casi se inserta entre los tonos de la tierra mientras al fondo un resplandeciente y amarillento sol preside la composición. El ocaso del astro rey provoca una gama de tonos anaranjados a su alrededor, motivando la aparición de sombras coloreadas - en tonos azules y malvas - que recuerdan al impresionismo. En la zona del sol emplea una serie de trazos radiales al círculo plano para obtener mayor luminosidad.
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El Sol Naciente

El Sol Naciente (Monet)

El sol naciente es una imagen tomada directamente del natural por Monet en el puerto de Le Havre. El cuadro, aunque fechado en 1872, fue pintado probablemente en 1873. Esta pintura muestra con el buen arte que caracteriza al maestro Monet, las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol se ve amortiguado por ellas, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación de humedad domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por su estética. Se conserva en el Museo Marmottan Monet de París.
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El verano

El verano (Alfons Mucha)

"Las cuatro estaciones", que fueron empleadas como paneles para decoración, es una de las obras más conocidas del pintor. Existe diferencia de tonalidad entre las distintas estaciones, distintos momentos del campo en cada época y todo ello con sus diseños característicos, tanto en lo referente a la naturaleza como a la figura de la mujer. Mujeres bellas con caras angelicales, ataviadas como diosas y abundantes adornos, rodeadas de motivos florales y alegres que ayudan a equilibrar la composición, todo minuciosamente representado.
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El vinedo rojo

El vinedo rojo (Van Gogh)

El viñedo rojo (1888) es el único cuadro que Van Gogh vendió mientras vivía. La estampa recoge el momento de la vendimia en un atardecer otoñal que envuelve en tonos rojizos el viñedo. El efecto realista de la imagen resulta difícil de superar, obtenido con una pincelada rápida y vibrante que se distingue claramente en el lienzo.
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Elenita en la playa

Elenita en la playa (Sorolla)

Sorolla, el pintor de la luz y el color de la tierra valenciana, se trasladó durante 3 veranos a principios del siglo XX, a Asturias, en la comarca del bajo Nalón, buscando probablemente otros matices para sus cuadros. En aquella época, recorrió toda la comarca y pintó cuadros, no solo de costa y de mar, sino también de paisajes, campo y costumbres. Uno de sus lugares favoritos era la Playa de los Quebrantos, en San Juan de la Arena. Este cuadro, de 1903, es una representación de un rincón de esta misma playa con su hija Elenita en primer plano, agachada, jugando con el agua. Esta marina presenta un mar encrespado, cuyas olas chocan con los arrecifes, utilizando diferentes colores ocres y grises para las rocas, combinándolos con los azules del mar y el cielo, y consigue plasmar con maestría la agreste belleza de un paisaje tan distinto al que estaba acostumbrado.
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En la terraza

En la terraza (Renoir)

A partir de la década de 1880, Renoir se decanta por retomar la figura humana como protagonista de sus composiciones. Renoir siempre fue un gran retratista como demuestra en este caso de 1881, interesándose por los rostros de la actriz y la pequeña, con la mirada perdida la primera y mirando atentamente al espectador la segunda. La luz del sol ilumina plenamente sus figuras, sin crear sombras, como hacía la estampa japonesa.
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Ensayo del ballet en el escenario

Ensayo del ballet en el escenario (Degas)

En este lienzo de 1874, Degas se sitúa en uno de los laterales del escenario del Teatro de la Opera para mostrarnos un momento del ensayo, posiblemente los instantes previos a la orden de inicio del director, mientras las bailarinas estiran los músculos y calientan individualmente. En esta ocasión el pintor ha recurrido a una escena panorámica, sin cortar ninguno de los planos pictóricos. Las muchachas se van sucediendo en profundidad, distribuyéndose ordenadamente sobre el espacio. Para no dejar escapar ningún detalle tuvo que realizar unos veinte estudios previos de figuras, para no dejar ningún elemento al azar. La luz empleada es la iluminación artificial del Teatro, creando fuertes contrastes entre las zonas iluminadas y las ensombrecidas. Con esta escena inaugura una serie de estampas sobre los ensayos en el escenario.
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Flores al viento

Flores al viento (John Waterhouse)

John Waterhouse pintó una serie de obras representando a mujeres azotadas por el viento en las campiñas inglesas. En Las Flores al Viento como en otros muchos de sus retratos de mujeres que destilan romanticismo, se inspiró en Ophelia, el personaje de la obra Hamlet, de William Shakespeare. Los colores claros y brillantes de esta obra muestran la influencia del impresionismo en esa etapa del pintor.
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Flores de almendro

Flores de almendro (Van Gogh)

Flores de almendro, también conocida como Almendro o Almendro en flor, representa mucho de lo que Vincent pensaba a menudo sobre renacimiento. Los árboles en flor anuncian el comienzo de primavera y nueva vida. Esto lo hacía muy adecuado como un regalo para celebrar el nacimiento de su sobrino, que fué precisamente el motivo para pintar este cuadro. En esta obra, pinta una composición muy diferente a sus estudios anteriores. En lugar de pintar ramas cortadas en un jarrón, como una naturaleza muerta, muestra ramas blancas de los almendros contra un cielo azul. Nuevamente y como en muchas de las pinturas de Van Gogh, se aprecia la influencia de grabados japoneses.
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Imagen con ganado

Imagen con ganado (Franz Marc)

Esta obra de 1913 es un claro exponente de los cuadros de Franz Marc, pintor que fue uno de los mayores representantes del movimiento expresionista alemán. Suele representar animales. Sus obras se caracterizan por sus colores primarios, sus formas cubicas, la simplificación formal y cromática de las cosas, de la naturaleza y de los animales.
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Improvisation 7

Improvisation 7 (Vassily Kandisky)

No se puede obviar la influencia de la música en las obras del autor,(sus padres tocaba el piano y la citara y él mismo aprendió a tocar el piano), sobretodo en las denominadas “Improvisations”, “Impressions” y “Compositions”. Es considerado el fundador de la escuela abstracta y explora sus propias ideas de la pintura aplicando colores y líneas, con ritmo y sentimiento, creando obras coloridas y armoniosas.
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Invierno en Montfoucault

Invierno en Montfoucault (Pissarro)

Camille Pissarro es uno de los “padres” del impresionismo, su obra principal se basa en representar la vida rural en Francia, particularmente paisajes y campesinos trabajando en el campo. También es conocido por sus obras sobre Montmartre, El Louvre y les Tuileries. Esta obra fue pintada en el otoño de 1874, cuando se instala en Montfoucault, invitado por su amigo Ludovic Piette.
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Jardin de flores

Jardin de flores (Klimt)

Jardín de flores fue pintada entre 1905 y 1907 y como la casi totalidad de los paisajes de Klimt, fue realizado durante una de las estancias veraniegas a orillas del Attersee, en la región de Salzburgo. Sin embargo, al contrario que otros de sus cuadros en los que representa auténticas vistas, este lienzo sólo contiene flores que lo llenan de color. Margaritas, áster, amapolas, flores del campo,etc. que se disputan nuestra atención, ocupando por entero el espacio pictórico sin horizonte. Un lienzo lleno de flores y de colores en los que las flores blancas destacan claramente, al estar en una especie de columna vertical, prácticamente en el centro del cuadro.
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Jardin de Lirios en Horikiri

Jardin de Lirios en Horikiri (Utagawa Hiro)

Esta estampa forma parte de la serie “Cien famosas vistas de Edo” realizadas entre 1856 y 1858 por el famoso pintor de la escuela Ukiyo-e, Utagawa Hiroshige. Son un total de 119 estampas sobre paisajes y lugares emblemáticos del Edo (Tokio), agrupadas según las estaciones del año. Rebosan gran sensibilidad y un intenso colorido, lo que nos revela su gran fuerza expresiva. El cuadro aquí representado es una estampa del verano. Se aprecian en primer plano, unos lirios casi a ras de tierra, cuyas flores se abren hacia el cielo. En Japón, esta flor se asocia a la belleza femenina, lo cual está reflejado en el dibujo con la representación de mujeres en el medio plano (difícil de apreciar).
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La barca azul

La barca azul (Monet)

Podemos ver este cuadro en el Musée Marmotan de Paris. Monet utiliza colores puros que mezcla directamente en la tela. Los colores son vivos, claros y las sombras no son negras, sino coloridas. Los contornos de los cuerpos y los rostros son los propios límites de los diferentes colores, sombras y luces. En este caso, Monet trata a sus personajes como parte del paisaje, sin prestarles especial interés. El color predominante es el azul ;el agua, la barca y los vestidos de las damas están en perfecta harmonía. Esta pintura forma un conjunto que transmite paz y calma, los personajes forman parte de la naturaleza, rasgo predominante del impresionismo.
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La Casa Amarilla

La Casa Amarilla (Van Gogh)

La casa amarilla, también conocida como La casa de Arles fue pintada por Van Gogh, en el año 1888, durante su estancia en el sur de Francia en Arles. Alquiló esa casa para vivir y para invitar a sus amigos pintores, entre otros, Paul Gauguin quien se instaló allí con él. Tuvieron momentos creativos y también muchas discusiones, una de las cuales acabó con la famosa escena de la automutilación de la oreja de Vincent Van Gogh. En este cuadro, de nuevo volvemos a encontrar sus colores favoritos, el azul intenso y el amarillo chillón, su técnica habitual para transmitir sus sensaciones y estados de ánimo.
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La chica con el gato

La chica con el gato (Franz Marc)

Franz Marc fue uno de los mayores representantes del movimiento expresionista alemán. Suele representar animales. Sus obras se caracterizan por sus colores primarios, sus formas cubicas, la simplificación formal y cromática de las cosas, de la naturaleza y de los animales. Tanto Marc como Kandinsky desarrollaron sus propias teorías sobre el color y ambos dieron importancia al aspecto espiritual del arte.
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La chica italiana

La chica italiana (Sorolla)

Sorolla pintó este cuadro, en 1886, durante su etapa de formación en Italia. Allí, realizó abundantes retratos de niñas y jóvenes. Podemos apreciar la sencillez con la que representa el rostro de la niña y su pelo. El fondo está mucho menos detallado, como difuminado, pudiendo apreciar las pinceladas por todo el cuadro. Es una composición en perfecto equilibrio, coloca a la muchacha de perfil ligeramente a un lado del cuadro, concentrando toda la intensidad expresiva en el rostro de la niña. En este cuadro, todavía no usa los colores fuertes y luminosos que luego le caracterizarán, utiliza contrastes entre una luz ocre y un buen balance de colores oscuros, iluminado la figura de la niña.
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La clase de baile

La clase de baile (Degas)

En esta escena pintada en 1872 vuelve Degas a interesarse por los ensayos de ballet. Ahora ha cambiado de sala, eligiendo las más grande y lujosa de las existentes en el Teatro de la Opera. Degas ha organizado la composición a través de un círculo vacío que se sitúa en el espacio central. Alrededor de él se colocan las diferentes figuras, equilibrando perfectamente el espacio gracias a las tonalidades blancas de los trajes. La sensación de profundidad también resulta destacable al recurrir a diferentes espejos y puertas abiertas, jugando con la realidad y la ilusión. La sensación de movimiento es otra preocupación del pintor, conseguida a través de las bailarinas del fondo.
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La gran ola

La gran ola (Katsushika Hokusai)

Es una famosa estampa japonesa de Katsushika Hokusai de la escuela Ukiyo-e, realizada entre los años 1830 y 1833, durante el periodo Edo de la historia de Japón. Durante el siglo XVII, surge el movimiento ukiyo.e que refleja la vida e intereses de los estratos más bajos de la sociedad japonesa. Las obras ukiyo-e son obras únicas, pintadas directamente con pinceles sobre seda o papel. Luego, el artista llevaba la obra a un grabador, quien grababa en relieve las líneas del dibujo en una plancha de madera, normalmente de cerezo .Se solía utilizar una plancha por cada color. La impresión se realizaba frotando un instrumento llamado baren, sobre el dorso de las hojas.
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La habitacion de Arles

La habitacion de Arles (Van Gogh)

Sobre el tema, Van Gogh realizó 3 cuadros casi idénticos. El primero, realizado en octubre de 1888 se perdió en una inundación. Casi un año después, hace dos copias más. Los pintó antes de la llegada de su amigo Paul Gauguin. Con la diversidad de los colores empleados, y las líneas rectas, quiere expresar la tranquilidad y la austeridad. Una vez más, es una obra que tiene influencia japonesa , y donde volvemos a encontrar sus colores favoritos.
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La isla de la Grande Jatte

La isla de la Grande Jatte (Georges Seurat)

Cuadro pintado entre 1884 y 1885 en la isla de la Jatte, en el Sena, entre Neuilly et Courbevoie. Retrata un domingo por la tarde. Con técnica puntillista, el pintor establece diferencias de planos, distribuyendo dos zonas de sombra y luz, y al mismo tiempo guarda la misma intensidad cromática en el conjunto.
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La isla de la Grande Jatte II

La isla de la Grande Jatte II (Georges Seurat)

Cuadro pintado entre 1884 y 1885 en la isla de la Jatte, en el Sena, entre Neuilly et Courbevoie. Retrata un domingo por la tarde. Con técnica puntillista, el pintor establece diferencias de planos, distribuyendo dos zonas de sombra y luz, y al mismo tiempo guarda la misma intensidad cromática en el conjunto.
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La joven de la perla

La joven de la perla (Vermeer)

La joven de la perla, o La Mona Lisa holandesa como también se la conoce, es una de las obras maestras del pintor holandés Johannes Vermeer y, como el nombre indica, en la imagen destaca un pendiente con una perla como punto focal. Se trata de una pintura que estuvo muy deteriorada y que fue magistralmente restaurada en 1994, realzándose la mirada de la joven, fija en el espectador así como el contraste entre el fondo muy oscuro y la muchacha en sí. Parece ser que no se trata de un retrato sino de una “tronie”, nombre que se daba en Holanda a las efigies decorativas. Se encuentra en el museo Mauritshuis de La Haya.
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La linde del bosque

La linde del bosque (Paul Ranson)

Paul Ranson es un pintor francés, que creó y fue líder del movimiento post impresionista Nabis. Desarrolló un estilo original con resonancias simbolistas y esotéricas. La linde del bosque es una obra con colores vivos y grandes cualidades decorativas, donde los árboles están estilizados, como si posaran de forma rítmica.
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La Mujer Morena (La Fuensanta)

La Mujer Morena (La Fuensanta) (Julio Romero de Torres)

La Fuensanta, es una obra pintada en 1929 por el pintor cordobés Julio Romero de Torres, para la cual posó la modelo María Teresa López. Representa a una joven sentada de lado con la mirada fija sobre el espectador. Aquella es tan intensa que consigue eclipsar el brillo del cántaro metálico aún cuando éste ha sido representado con todo lujo de detalles. La mujer se ha sentado a reposar y apoya los brazos en actitud relajada sobre el cántaro. Fue exhibido en la Exposición Iberoamericana de Sevilla de 1929 y, desde entonces, no se supo de su paradero hasta 2007. Solo se conservaba del mismo una fotografía en blanco y negro, que se reprodujo en los billetes de 100 pesetas. En este año volvió a aparecer en manos de un ciudadano argentino que lo subastó en Londres, llegando la puja hasta cerca de un 1.200.000 euros por un comprador anónimo.
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La noche estrellada

La noche estrellada (Van Gogh)

La noche estrellada (1889) es una de las obras más sugerentes de Van Gogh, donde se aprecia la fuerza de la naturaleza. Lo pintó cuando estaba internado en Saint Rémy. Hay que destacar el tratamiento de la luz de las estrellas: un trazo a base de espirales que dominan el cielo y los cipreses en primer plano. Al fondo, el pueblo. Una vez más, predominan los colores favoritos del pintor, el amarillo, malva, azul.
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La siesta

La siesta (Van Gogh)

Este cuadro neoimpresionista de 1890, forma parte de una serie de obras inspiradas en Millet que Van Gogh reinventa.La pareja duerme plácidamente a la sombra de un montón de paja, agotados tras el duro trabajo. A su lado contemplamos las hoces y los zapatos del hombre, mientras al fondo – en otra zona de sombra – se sitúa un carro con un buey. Van gogh se preocupa por reflejar en esta imagen el estudio de la luz y de la sombra. La zona del primer plano adquiere un tono distinto al vivo amarillo del segundo término; los azules y los malvas complementan la composición, creando una atrayente sinfonía de color.
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La sombrereria

La sombrereria (August Macke)

August Macke, pintor alemán expresionista amigo de Franz Marc, pintó “La sombrerería” en 1914. Su pintura es el ejemplo más claro de una mezcla de influencias de movimientos pictóricos: impresionismo, fauvismo, futurismo y cubismo. Descompone la luz en planos geométricos coloreados, dando lugar a una construcción armónica. Inspirado por temas banales cotidianos, utiliza los colores de forma armoniosa y simbólica, transmitiendo tranquilidad, poesía y alegría. Mujeres paseando delante de escaparates, y de sombreros en particular, es un tema que encontramos en varias obras del pintor.
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La terraza del cafe

La terraza del cafe (Van Gogh)

Realizada en Arles en 1888, esta obra expresa sus impresiones sobre el sur de Francia. Es el primer cuadro del pintor donde emplea un cielo estrellado. Los colores que tanto gustan a Van Gogh, el azul y el amarillo, llenan la composición. El pintor siente una fuerte atracción por la luz de la noche y une perfectamente la natural (las estrellas) con la artificial (las farolas). El pintor se interesa por mostrar con detalle la terraza empleando una pincelada suelta, sin dar minuciosidad pero sin saltarse los detalles.
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Lago de Annecy

Lago de Annecy (Cezanne)

Entre 1896 y 1906 se desarrollará el periodo lírico de Cézanne, donde los colores y formas toman gran importancia. En El lago de Annecy el azul se adueña por completo de la composición, irradiando desde el agua hacia todo lo que le rodea, desde las montañas hasta los árboles. Las líneas son rotundas, crean perfectos volúmenes como puede apreciarse en las casas o el árbol en primer plano. Las luces también interesan al pintor, destacando los reflejos blanquecinos en el lago y las sombras coloreadas de las montañas. Puede afirmarse que las notas impresionistas están presentes pero de una manera muy personal, con un concepto particular del impresionismo.
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Las amigas

Las amigas (Klimt)

Las dos amigas(1916-1917) son uno de los múltiples ejemplos del arte erótico y sensual, pintado por Klimt. Las dos mujeres se ubican en primer plano, dirigiendo sus sensuales miradas hacia el espectador, una vestida con una amplia túnica roja -el famoso vestido reforma que intentó liberalizar a las damas vienesas eliminando corsés y elementos opresores- y otra sensualmente desnuda. En el fondo observamos una llamativa decoración animal vinculada con la estampa japonesa, muy admirada por el pintor, acentuando la belleza de la composición, al igual que las formas onduladas características del Art Nouveau. La gama cromática y el colorido vivo acentúan la sensación de sensualidad.
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Las Meninas

Las Meninas (Diego Velazquez)

Las Meninas es una de las obras de mayor tamaño de Velázquez (318 x 276 cm) y también su más famosa obra maestra, pintada en 1656 en El cuarto del Príncipe del Alcázar en Madrid, escenario de la obra. En esta pintura puso un gran empeño para crear una composición a la vez compleja y creíble, que además de transmitir una sensación de vida y realidad encerrara una densa red de significados, como es habitual en velazquez La figura central es la infanta Margarita, atendida por doña María Agustina Sarmiento y doña Isabel de Velasco, meninas de la reina. También vemos a Velázquez trabajar ante un gran lienzo, a los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, que juega con un mastín, a la dama de honor doña Marcela de Ulloa, y al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, aposentador. En el espejo se ven reflejados los rostros de Felipe IV y Mariana de Austria, padres de la infanta y testigos de la escena.
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Les Alpilles

Les Alpilles (Van Gogh)

Les Alpilles(1889) son parte de una cadena rocosa que domina las llanuras de la Provenza. Se caracterizan por sus gargantas, barrancos y rocas de formas extrañas. Van Gogh pintó este cuadro cuando estaba internado en Saint Remy de Provence y el paisaje circundante fue la inspiración de los numerosos cuadros realizados entonces.
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Lirios

Lirios (Monet)

En los cuadros pintados por Monet en el siglo XX el proceso de desaparición de la forma es cada vez más acentuado, como podemos apreciar en esta bella pintura de 1917. El color se adueña de la composición, desaparecen líneas y contornos en un acercamiento a la pintura abstracta. Monet sólo se interesa por sensaciones y atmósferas, y crea inolvidables imágenes llenas de color. Los malvas afloran en esta escena, aplicando los tonos con rápidos y precisos toques de pincel.
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Lirios 2

Lirios 2 (Monet)

En estas obras del final de su vida el aspecto es claramente moderno. Esto se debe, principalmente, a que dejaba algunas superficies del lienzo sin acabar para buscar nuevos medios de expresión. Aunque el objeto de su interés, los lirios, es el mismo que en otras pinturas de ese periodo, en ésta en particular, los medios artísticos superan con mucho los acercamientos previos. Si antes había preponderado el naturalismo, una visión más o menos fiel de las flores, en ésta sucede lo contrario. Monet opta por dar una interpretación libre, personal, de los lirios mediante el escaso acabado de las líneas, que se confunden con el fondo.
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Los lirios

Los lirios (Van Gogh)

Uno de los más famosos cuadros del pintor holandés, fue pintado en 1889 mientras Van Gogh estaba internado en el asilo de Saint Paul de Mausole, en Saint Rémy, en Francia. Inspirado por la naturaleza que le rodea, lo empieza a pintar durante la primera semana de su internamiento. El cuadro refleja la influencia de los trabajos japoneses, rasgo que reencontramos en varios artistas de la época.
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Los paraguas

Los paraguas (Renoir)

Esta importante pintura de Renoir fue realizada en dos etapas diferentes : la parte de la derecha, la que corresponde a la joven madre acompañada por sus dos hijas, está efectuada a la manera impresionista, mientras que el resto de la composición sigue una técnica derivada de Cézanne. Parece posible que Renoir empezará hacia 1881-1882 y que interrumpiera su trabajo y no lo retomase hasta años después. Por este motivo las diferencias entre ambas zonas son tan acusadas. La idea de representar una gran cantidad de personas transitando por las calles de París en un día lluvioso permite a Renoir mostrar su capacidad para resolver distintos problemas de perspectiva y de movimiento de las masas.
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Los recolectores de patatas

Los recolectores de patatas (Van Gogh)

Esta importante obra de Van Gogh de 1883, fue robada del Museo de Bellas Artes de Amberes en 1997 y recuperada poco después. Está valorada en unos 730.000 euros. Del periodo Nuenen, muestra el interés del pintor por el mundo rural, igual que La Siesta; o el Sembrador o EL Viñedo Rojo.
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Moulin de la Galette

Moulin de la Galette (Renoir)

Renoir en Bal au Moulin de la Galette, representa un baile en un merendero del popular barrio parisino de Montmartre: el Moulin de la Galette. En las mesas y en la pista aparecen varios amigos ,también pintores, de Renoir. Éste recurre a dos perspectivas para la escena: el grupo de primer plano ha sido captado desde arriba y el resto se ven en una perspectiva frontal, logrando un efecto de multitud perfecto. La alegría que inunda la composición hace de esta obra una de las más impactantes de Renoir, convirtiéndose en un testimonio de la vida en el París de finales del siglo XIX.
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Muchachas en el puente

Muchachas en el puente (Munch)

Muchachas en el puente (1901), es una colorista composición con tres muchachas asomadas a un puente sobre un riachuelo en una pequeña población. Resultan muy atractivos los vivos colores de los vestidos de las chicas, así como el contraste del cielo claro y los sombreados árboles y tejados. Las líneas sinuosas, a veces mareantes de Munch, recrean un ambiente de cierta angustia y ansiedad. Las chicas no hablan, no se comunican, solamente observan en silencio, reflexionan sobre el sentido de la existencia, o sobre las contradicciones de la vida, o sobre la soledad....
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Mujer con abanico

Mujer con abanico (Renoir)

Como otras muchas otras pinturas con mujeres jóvenes realizadas por Renoir, tampoco ésta es fácil de catalogar. La modelo es Jeanne Samary, famosa actriz de la Comédie-Française especializada en el papel de criada coqueta, a la que el artista utilizó de modelo varias veces entre 1877 y 1881 y de la que pintó tres verdaderos retratos. Además del abanico, el espacio intimo y la asimetría de la composición revelan, que en este período, Renoir estaba experimentando las soluciones pictóricas del arte japonés. Aunque no compartía la pasión por el arte de este país como Degas y Monet , también es cierto que el artista visitó el pabellón japonés de la Exposición Universal de París de 1878 y , por lo tanto, tenía presente ese lenguaje pictórico cuando llevó a cabo el cuadro.
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Mujer con sombrero y boa

Mujer con sombrero y boa (Klimt)

En esta obra de 1909, Klimt abandona los dorados y formas geométricas que le han hecho famoso, y recurre a una ornamentación más sobria. Solo vemos parte del rostro, y parece mucho más real que las protagonistas de otros cuadros. Es el retrato de una mujer ausente, que no emana sensualidad ni erotismo. Corresponde al periodo en el que está influenciado por el fauvismo y Toulouse Lautrec.
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Mujer con sombrilla

Mujer con sombrilla (Monet)

En 1886, Monet realizó dos estudios de gran formato al aire libre. La fuerte luz solar acentúa el colorido de las flores y la hierba del suelo. La pincelada utilizada por Monet es rápida y organiza la composición como si se tratara de un puzle. Estas obras - su compañera es Mujer con sombrilla de perfil - serán las últimas de gran formato en las que aparece una figura de cuerpo entero realizadas por el maestro.
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Mujer llevando frutas

Mujer llevando frutas (Gauguin)

Gauguin pertenece al grupo de los pintores del movimiento postimpresionista, una extensión del impresionismo. Gauguin se trasladó a vivir a Tahití, en busca del paraíso, de las culturas primitivas y del arte puro .Retrata escenas de la vida cotidiana en la isla con colores vivos y juegos de luces irreales. Este cuadro es un claro ejemplo.
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Ninfeas

Ninfeas (Monet)

Ninfeas(1916). Una nueva obra sobre estas plantas, perteneciente al ciclo de pintura que inició el pintor hacia el final de su vida. Se pasaba horas en el jardín de su casa, observando y retratando el puente japonés que había hecho construir sobre el estanque. Los nenúfares llenaban el estanque y los sauces alegraban las orillas, por lo que toda esta naturaleza será para Monet su principal centro de producción.
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Noche estrellada sobre el Rodano

Noche estrellada sobre el Rodano (Van Gogh)

Esta obra de 1888 constituye la primera vez que Van Gogh dedica un cuadro entero a representar la noche. El cielo ocupa la mitad del cuadro, la oscuridad de la noche, la totalidad de la superficie. La casa amarilla donde residía en Arles estaba situada, junto al Ródano, donde el río hace un recodo. Desde allí, es desde donde pinta el cuadro. La obra derrocha realismo y, al mismo tiempo, fantasía e imaginación. Son realistas y bellísimos los reflejos de las luces, rotos por las leves ondulaciones que la brisa origina en el río, así como los tonos del cielo y el brillo de las estrellas. Una vez más Van Gogh realiza maravillas con sus dos colores primarios favoritos: azul y amarillo.
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Oleaje en Naruto

Oleaje en Naruto (Utagawa Hiro)

Esta obra de Utagawa Hirosige forma parte de una serie denominada “famosas vistas de las 60 provincias” ; son en total 69 cuadros que representan paisajes de las 66 provincias de Japón, además de Edo (Tokio) y de las dos islas más grandes .En esta obra, el pintor usa un formato vertical, con grandes contrastes entre el primer plano y el fondo, creando un sensación de profundidad . Oleaje en Naruto , que es considerada la obra más espectacular de la serie, nos muestra remolinos y olas rompiendo contra las rocas del litoral de la provincia de Awa.
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Ophelia

Ophelia (John Waterhouse)

Ophelia es un personaje ficticio de la obra Hamlet de Shakespeare que ha inspirado a muchos artistas prerrafaelitas, entre otros a John Waterhouse . Ha hecho varias versiones, en 1889,1894 y 1910. La representación de la camiseta es la que realizó en 1894, la muchacha se encuentra sentada en un tronco, luce una larga cabellera rojiza que contrasta con su piel blanquísima, así como las amapolas y las margaritas que la adornan.
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Orana Maria

Orana Maria (Gauguin)

Pintó este cuadro en 1891 durante su primera estancia en Tahití. A primera vista, parece un cuadro más sobre las indígenas que pintaba el artista. Sin embargo, este cuadro representa La Anunciación ambientada en Tahití. Dos mujeres tahitianas en actitud de oración observan a María y el Niño Jesús coronados con aureola. Detrás, un ángel con alas. La figura de María destaca por ser más grande y de color rojo. Los pies grandes y los rostros con rasgos muy marcados, resaltan el primitivismo de las figuras. El paisaje es exuberante y rico en color.
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Orilla de la bahia de Tago

Orilla de la bahia de Tago (Katsushika Hokusai)

Katsushika Hokusai forma parte de la escuela japonesa Ukiyo-e y cambiaba de nombre cada vez que cambiaba de estilo artístico. Orilla de la Bahía de Tago forma parte de una serie de 36 lienzos denominada “36 vistas del monte Fuji”, que el autor pintó después de cumplir los 60 años, y en la que el Monte Fuji es el elemento espiritual más importante.
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Paisaje con pajaros

Paisaje con pajaros (Klee)

Paul Klee, nació en 1879 en Münchembuchsee, Suiza, hijo de padre alemán y madre suiza, ambos músicos profesionales. Paul desarrolló sus dotes de músico y artista hasta que cumplió diecinueve años, que es cuando decidió ser pintor a tiempo completo. Sus óleos y acuarelas invitan a ejercitar la imaginación para buscar un significado. En Paisaje con pájaros amarillos hay hojas blancas, azules o violetas que surgen de la nada entre troncos verdes deshilachados. Y pajaros amarillos, algunos, incluso, suspendidos al revés del cielo o intentando escabullirse. Una vez más apreciamos que la imaginación de Klee no tiene límites.
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Paisaje con pavos

Paisaje con pavos (Gauguin)

Este paisaje colorista sale de la fecunda imaginación de Gauguin en su estancia en Polinesia. Un hombre trabaja en primer plano tras unos pavos reales. En la lejanía dos mujeres se encuentran junto a una cabaña. Enormes árboles y una montaña multicolor completan una composición presidida por los vivos y arbitrarios colores que se complementan de manera perfecta. Las figuras están delimitadas por una línea oscura, siguiendo la técnica del cloisonné mientras que los colores han sido aplicados con planitud, influido por el arte japonés. Comparando este lienzo con los iniciales apreciamos la superación del impresionismo para crear una manera de expresión totalmente personal e inconfundible.
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Paisaje de Provenza

Paisaje de Provenza (Cezanne)

En su periodo impresionista (Provenza y París, 1870-1878), Cezanne se dedicó principalmente al paisaje. Durante este periodo vivió muy cerca del pintor impresionista Pissarro, quien le animó a abandonar las normas académicas, paleta sombría y pinceladas pastosas que lo caracterizaban. En este Paisaje de Provenza, sin embargo, todavía persiste la forma de pintar en su periodo anterior, en París, caracterizado por colores oscuros y un intenso uso del negro.
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Paseo por la playa

Paseo por la playa (Sorolla)

Paseo en la playa (1909), es uno de los cuadros más conocidos del pintor español. El estilo postimpresionista español se refleja en la luz, el color y el movimiento que transmite la obra. Representa a su mujer junto con su hija mayor, paseando por la playa de Valencia.
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Pescando en Primavera

Pescando en Primavera (Van Gogh)

En esta obra de 1887 Van Gogh utiliza una pincelada suelta, típicamente impresionista y una técnica puntillista. Podemos observar un pescador en su barquita en medio del Sena. En aquella época, el pintor residía en París y se inspiró en los paisajes cercanos al río Sena, para numerosos cuadros. Es quizás la época durante la que vamos a encontrar más rasgos impresionistas en su obra.
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Place Clichy

Place Clichy (Renoir)

Esta bien conocida obra sobre el París contemporáneo fué pintada por Renoir durante el periodo en que su estudio estaba en la Rue Saint-Georges. En la Place Clichy, Renoir hace que la mirada del espectador se fije en la cara de la muchacha que destaca sobre la multitud borrosa de la parte trasera, como si quisiera detener en el tiempo una experiencia efímera.
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Puente de Langlois

Puente de Langlois (Van Gogh)

En los alrededores de Arles, Van Gogh se interesó por unos puentes de madera de estilo holandés que cruzaban el Ródano. El puente de Langlois con mujeres lavando es una de las mejores muestras de ese recuerdo de Van Gogh hacia su país natal. Emplea tonos vivos y alegres (amarillos, azules y verdes) aplicados con una pincelada muy corta que se aprecia claramente en el lienzo. La luz del atardecer primaveral inunda la escena y los reflejos en el Ródano, obtenidos ahora con tonos claros, demuestran la atenta mirada de Vincent, preocupado unicamente por lo que sus ojos ven.
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Santuario Suijin

Santuario Suijin (Utagawa Hiro)

Utagawa Hiroshige (1797 -1858), fue uno de los últimos grandes artistas de la escuela Ukiyo-e. Reinterpreta la realidad conforme a una visión utópica del paisaje y la sociedad de su época. Otro componente del paisaje en Hiroshige es el aspecto emotivo, ya que generalmente elige temas y lugares conocidos del gran público, sitios de interés turístico, templos y santuarios de devoción popular, locales de recreo y ocio, rincones de la ciudad que la gente conoce y estima, y que admira en las estampas del pintor, creando una vinculación entre la imagen y la memoria colectiva del espectador.
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Serpientes de agua

Serpientes de agua (Klimt)

Es significativo que Klimt eligiera evocar en el título de este cuadro de 1904-1907, a la serpiente, asociándola al agua, dos elementos a los que Freud atribuía un decidido significado sexual. Cuatro lánguidas figuras de mujer llenan la superficie, entrelazándose con las marañas de algas, a su vez confundidas con las masas de cabellos, asimismo símbolo erótico. El espacio del lienzo es casi sofocado por la superposición de infinidad de detalles y Klimt se vale de la técnica del mosaico, técnica que volvemos a encontrar en muchas obras suyas.
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Tokaido Shinagawa

Tokaido Shinagawa (Katsushika Hokusai)

Otro grabado del autor, de la escuela ukiyo-e, que forma parte de la serie del Monte Fuji, una obsesión personal de Katsushika Hokusai. Podemos ver el Monte Fuji, a través de la bahía de Sagami, entre colinas punteadas de cerezos en flor. Como es habitual en este género, representa escenas de la vida cotidiana por lo que podemos observar Samurais y ciudadanos con sus hijos de picnic , descansando debajo de los árboles o refrescándose en kioskos de té.
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Tu cuadro

Tu cuadro (Tu pintor)

En algunos productos de nuestra tienda puedes proponernos algún pintor que te guste o incluso alguna obra tuya o de algún amigo. Las únicas condiciones, para este último caso, son que nos facilites la imagen y que ésta sea de un cuadro realizado por vosotros.
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- Bolso plano - Pendiente cuadrado - Pendiente redondo
Violin y grabado

Violin y grabado (Juan Gris)

Juan Gris tiene cuadros parecidos entre sí, en los que, a diferencia de un papel imitación de madera o un trozo de papel de pared pintado destinados a representar la materialidad de una cosa distinta, incorpora materiales cuya presencia real persiste en la obra. Un ejemplo es el cuadro de 1913 Violín y grabado colgado, actualmente en el Museum of Modern Art de Nueva York. En él, como se indica en el título, Gris incorpora un grabado colgado en la pared.
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- Mochilita urbana - Bolso - Colgante redondo - Pendiente redondo - Llavero
Violin y guitarra

Violin y guitarra (Juan Gris)

El cuadro Violín y Guitarra (1913) de Juan Gris, que se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía" de Madrid , es un óleo sobre lienzo que constituye un claro exponente del cubismo practicado por el artista durante su estancia en Ceret que pasaría enseguida al uso del collage.
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- Bandana
Vista de Toledo

Vista de Toledo (El Greco)

Resulta raro encontrar un paisaje aislado en la pintura española del Renacimiento e incluso en el Barroco. La aparición de esta Vista de Toledo consagra a El Greco como el primer paisajista de la historia del arte español. Cuando se deseaba una obra con un paisaje, se recurría al mercado italiano o flamenco, donde sí hay más ejemplos de paisajes aislados. Esto hace aún más importante esta obra de El Greco. Se trata de un paisaje bastante fantaseado, a pesar de partir de la realidad. Sobresalen los edificios más emblemáticos de Toledo, donde la aridez del terreno ha sido sustituida por un verde más característico del norte de España. Las tonalidades verdes, azules y grises dan un aspecto dramático a la escena creada por una tormenta y ponen de relieve la grandeza de la ciudad.
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